Pierre Bonnard: el maestro de la luminosidad resplandeciente, que pintó cuadros difíciles y, sin embargo, los hizo lúcidos y accesibles

Profesor adjunto de Historia del Arte, Universidad Nacional de Australia

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Pierre Bonnard, a diferencia de su contemporáneo mayor, Paul Gauguin, nunca visitó Australia, pero la influencia de Bonnard en el arte australiano es penetrante y profunda.

Esta exposición inusual y magnífica en la Galería Nacional de Victoria nos permite ver a Bonnard como nunca antes.

En parte, esto se debe a la excepcional profundidad en la selección de las más de 100 obras de Bonnard para esta exposición, en gran parte extraídas de la extensa colección del Musée d'Orsay de París.

También, en parte, por un golpe de genialidad al encargar a la célebre arquitecta y diseñadora radicada en París, India Mahdavi, la creación de la escenografía de la exposición.

La exposición es como una colaboración creativa entre el artista y el diseñador. Los accesorios arquitectónicos, las paredes pintadas, las alfombras especiales y los muebles se combinan para crear un ambiente íntimo, creando el ambiente para dejarse cautivar por la magia del color de Bonnard.

Al igual que su contemporáneo, el artista ruso Wassily Kandinsky, Pierre Bonnard (1867-1947) inicialmente estudió derecho. Después de graduarse, lo abandonó para seguir una carrera como artista.

También como Kandinsky, vivió y trabajó en el centro del mundo del arte de su época. Estuvo asociado con muchos de los artistas clave y, sin embargo, en el análisis final, Bonnard, como Kandinsky, era esencialmente un solitario que trazó para sí mismo un camino solitario.

En la última década del siglo XIX, Bonnard junto con varios otros jóvenes artistas establecidos en París, incluidos Edouard Vuillard, Maurice Denis y el escultor Aristide Maillol, formaron una hermandad artística similar a la de los nazarenos y los prerrafaelitas.

Se llamaron a sí mismos "Los Nabis" (una palabra hebrea y árabe que significa "profetas") y esencialmente adoptaron la postura estética del sintetismo de Gauguin.

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El argumento básico del sintetismo era que el objeto de arte que producía un artista era una síntesis de la propia visión del artista, su formación, el medio utilizado, así como el estímulo de la escena u objeto representado.

En otras palabras, era una teoría que le daba a la persona creativa una mayor licencia artística para interpretar una escena o composición en una obra de arte, en lugar de simplemente transcribirla.

Las primeras obras maestras de Bonnard Nabis incluyen Crepúsculo o El juego de croquet (1892) y París, Rue de Parme en el Día de la Bastilla (1890). Estos se deleitan con las cualidades del plano pictórico aplanado, los puntos de vista inesperados y las fuertes propiedades ornamentales.

Siesta (1900), una gran pintura de la propia colección de NGV, tiene a Bonnard moviéndose hacia una paleta más ligera y luminosa con construcciones espaciales aventureras.

Aparentemente, es simplemente una pintura del modelo que se muestra dentro del espacio íntimo del estudio del artista.

Sin embargo, cuando ingresa al espacio de la imagen, se da cuenta de que la figura se presenta desde un ángulo alto. Literalmente se asoma al espacio donde la masa de sábanas arrugadas y la carne suave y sensual se encuentran con el papel tapiz y la alfombra ricamente estampados que parecen envolverlos y rodearlos.

Aunque la figura en su pose puede aludir a una estatua muy conocida de la antigüedad clásica, la interpretación es completamente moderna. La mesita de noche empuja en diagonal hacia la figura y abre la obra a toda una serie de interpretaciones freudianas.

Si bien es posible que Bonnard aquí se base en fuentes artísticas tan diversas como Manet, Matisse y Cézanne, la pintura en sí es una declaración artística maravillosamente resuelta y unificada: un triunfo de la inteligencia visual.

Se exhibe junto con las fotografías que Bonnard tomó de su modelo que pueden haber servido como material de partida para el artista.

Bonnard se inspiró en la fotografía y los ángulos inesperados y el recorte de imágenes e implementó estas estrategias en su arte.

La ventana (1925) es una pintura hermosa y lírica ejecutada por Bonnard mientras se hospedaba con una mujer llamada Marthe en una villa vacacional alquilada en Le Cannet, cerca de Cannes, en el sur de Francia.

Mirando por la ventana, vemos los techos rojos de la pequeña ciudad de Le Cannet y más allá de las colinas de Cézannesque.

Aunque su principal preocupación parece haber sido el intento de equilibrar los valores tonales de su paleta y crear la estructura compositiva a través del color, el artista también parece decidido a cargar la obra con una iconografía privada.

En primer plano sobre la mesa se encuentra un libro y una hoja de papel con útiles de escritura. En el balcón, en posición central, aparece la cabeza de Marthe, mostrada en lectura de perfil.

El libro está claramente identificado por una inscripción en su portada como la novela Marie de Peter Nansen que ilustró Bonnard.

Si uno suma las pistas visuales, una posible interpretación es que Marie era el verdadero nombre de Marthe y en el año en que se pintó la pintura, 1925, Bonnard finalmente se casó con Marthe. Se podría especular que el papel alude a un certificado de matrimonio.

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En última instancia, Bonnard fue el maestro de la luminosidad resplandeciente que pintó cuadros muy ingeniosos y difíciles y, sin embargo, los hizo parecer lúcidos y accesibles. La ventana abierta, la puerta y, sobre todo, un espejo eran sus trucos favoritos para dotar al espacio de una estructura formal ambigua pero convincente.

Sus superficies pintadas tienen una presencia textural con pinceladas entrecortadas y visibles.

A diferencia de los impresionistas que siguieron el camino confiable de contrastar colores complementarios para hacerlos vibrar visualmente, Bonnard se imponía tareas imposibles como yuxtaponer rosa y naranja o amarillo limón y verde oliva.

Luego proyectaría sus figuras centrales contra la luz y trabajaría en una solución hasta que cada tono apareciera vivo, brillante y vibrante.

En el contexto del arte australiano, decenas de artistas respondieron a su trabajo, entre ellos Emanuel Phillips Fox, Ethel Carrick, John Brack, Fred Williams, Jon Molvig, Brett Whiteley y William Robinson.

Si bien he visto muchas exhibiciones de Bonnard en Australia y en el extranjero, esta es la exhibición más conmovedora y sutil que he encontrado. Salí del espectáculo espiritualmente refrescado y con lágrimas en los ojos.

Pierre Bonnard: Diseñado por India Mahdavi está en la Galería Nacional de Victoria International hasta el 8 de octubre.

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